Vermeer exhibition text

A obra de Vermeer é escassa. Das cerca de 37 pinturas que lhe são atribuídas, são 27 as que se reúnem aqui. No geral, as obras são apresentadas por tema, assim poderá testemunhar como Vermeer introduz o mundo exterior nas suas cenas silenciosas. Poderá acompanhar o seu desenvolvimento artístico. E poderá ver como as mulheres dos seus quadros interagem com o espectador, voltando o seu olhar para adiante.

Johannes Vermeer nasceu, foi criado e morreu em Delft (1632-1675). Cresceu rodeado pelas pinturas do negócio de arte do pai. Criado na fé da Reforma Protestante, ter-se-á muito provavelmente convertido ao catolicismo quando tencionou casar com Catharina Bolnes. Tiveram 14 ou 15 filhos, 11 dos quais sobreviveram à infância. Além de pintor, Vermeer era também marchand de arte e líder da Guilda dos pintores de São Lucas.

Típico de Vermeer são as suas cenas contemplativas enquadradas em interiores serenos, o seu domínio da perspetiva e da representação da luz. Certos objetos e interiores repetem-se com regularidade. Isso cria a impressão de que era assim que o ambiente de Vermeer parecia na realidade, mas o mundo que nos apresenta é inventado. Vermeer observa com precisão os efeitos óticos, como a nitidez e o embaçamento. Como resultado, orienta o nosso olhar para a pintura, que se centra numa atividade quotidiana, um olhar, um encontro. De vez em quando, o nosso olhar é correspondido.

Tanto quanto se sabe, Vermeer pintou três quadros da sua cidade natal, dois dos quais estão ainda entre nós: Vista de Delft (View of Delft) e A Pequena Rua (The Little Street). O seu mundo é sereno e o tempo parece parar temporariamente, assim como nos interiores que retratou. A abordagem de Vermeer foi inovadora. Em Vista de Delft, Vermeer não coloca a ênfase nos edifícios mais importantes da cidade; aborda antes Delft de um ângulo inesperado.Ao fazê-lo, toma liberdades com a topografia real.

Vermeer conduz os nossos olhos para o horizonte graças a efeitos de luz e escuridão, perspetiva, cor e textura. E faz o mesmo em A Pequena Rua (The Little Street): as casas escuras ao fundo contrastam com o céu nublado branco brilhante. As figuras contribuem para a espacialidade, incluindo a mulher no beco e as crianças a brincar no degrau da porta da frente.

1. Ao longe, podemos ver a Nieuwe Kerk com a sua torre a captar a luz da manhã, pintada com uma espessa camada de tinta amarela-esbranquiçada. No meio à esquerda está a Porta de Schiedam, com o relógio a indicar que são mais ou menos 7:00 e à direita fica a Porta de Roterdão.
2. As secções claras e escuras alternadas dividem aproximadamente a composição em quatro faixas horizontais, com a areia brilhante do cais em primeiro plano. O navio à direita é pontilhado por destaques: pequenas pinceladas de tinta que sugerem o reflexo da luz solar.
3. As roupas usadas por uma das mulheres são semelhantes às da mulher em A Leiteira (The Milkmaid) (Galeria 5), que Vermeer pintou no mesmo período.

Estes quatro grandes quadros são as primeiras obras que se conhece de Vermeer. O artista tinha vinte e poucos anos e acabara de se estabelecer como mestre pintor. Protestante reformado de nascimento, casara-se recentemente com a católica Catherine Bolnes. Muito ambiciosamente, pintou temas religiosos: Santa Praxedes (Saint Praxedis) e uma cena bíblica de Cristo na Casa de Marta e Maria (Christ in the House of Mary and Martha). A última pintura baseia-se num modelo e estilo de pintura flamengos, enquanto Santa Praxedes é uma cópia de uma imagem do mesmo assunto da autoria de um mestre italiano contemporâneo. Estas encomendas, sem dúvida, provieram do seu novo meio católico. Também tentou pintar um assunto mitológico, a saber, Diana e as Ninfas (Diana and her Nymphs).

O jovem pintor claramente desejava projetar um elã internacional e aspirava a destacar-se no género artístico mais conceituado: a pintura histórica. Um ponto de viragem no seu desenvolvimento é A Alcoviteira (The Procuress) de 1656, uma cena de bordel na qual Vermeer funde todas as influências internacionais. A partir de então, Vermeer escolheu a vida quotidiana como ponto de partida para as suas obras.

1. Jesus visita as duas irmãs Marta e Maria. Enquanto Marta está ocupada a servir o hóspede, Maria senta-se aos seus pés para ouvi-Lo. Marta reclama que tem de fazer todo o trabalho sozinha, ao que Jesus responde que Maria fez a escolha certa: o espiritual tem precedência sobre o material. Cada uma das três figuras transmite o seu papel: servir, ouvir, explicar.
2. A mão gestual de Jesus está mesmo ao centro da composição, intencionalmente contrastada com a toalha branca brilhante. Desta forma, Vermeer enfatizou a palavra falada de Jesus como o núcleo da história.
3. Vermeer preferiu pintar figuras ensimesmadas ao longo da sua carreira. Isso já era evidente nesta pintura inicial, na qual Maria assume uma postura calma e pensativa.

Como se sugere um espaço pictórico sobre uma superfície plana? Vermeer dominou essa habilidade passo a passo. Embora apenas muito pouco da sala de a Rapariga lendo uma carta à janela (Girl Reading a Letter at an Open Window) seja retratada, Vermeer criou profundidade através da parede esquerda com ângulos retos na parede de trás. Além disso, recorria a cenas da vida quotidiana como assunto.

O cortinado verde parece estar pendurado à frente desta pintura. Puxado para a direita, oferece uma visão da mulher a ler e a grande pintura dentro da pintura atrás dela que representa Cupido, o deus do amor, a olhar para nós.

Até 2019, Cupido estava escondido debaixo de tinta branca pintada por cima. O recente restauro da pintura revelou que isso não foi feito por Vermeer, mas mais tarde por outra pessoa. Com a remoção dessa pintura, fica claro o quão bem a pintura se encaixa no desenvolvimento inicial de Vermeer.

Vermeer incluiu a pintura de Cupido com pequenas variações em outras imagens também (Galerias 8 e 9).

1. Um cortinado vermelho cai sobre a janela aberta na qual o rosto da menina se reflete. Vermeer aqui usou pontos e pinceladas de tinta pela primeira vez. Por exemplo, não pintou o cabelo em linhas, mas sim com retoques em cores diferentes.
2. Vermeer só adicionou o cortinado verde numa segunda instância e, ao fazê-lo, pintou um grande copo de vinho.
3. De arco na mão, o deus do amor Cupido pisa duas máscaras, que eram consideradas sinais de logro. O seu significado é claro: o verdadeiro amor deve ser sem falsidade, um aviso para a rapariga que lê a carta.

Por volta de 1658, Vermeer familiarizou-se com as cenas domésticas do pintor Pieter de Hooch, que também morou em Delft. De Hooch, Vermeer adotou a sua perspetiva linear com um único ponto de fuga – o ponto onde todas as linhas convergem.

Em A Leiteira (The Milkmaid), Vermeer determinou o ponto de fuga com um alfinete, logo acima do braço direito da mulher (o buraco ainda está lá). Desta forma, olhamos para cima ligeiramente para ela. A sua monumentalidade é reforçada pela parede caiada de branco contra a qual se destaca nitidamente. Para alcançar esse efeito, Vermeer pintou sobre um suporte de jarro que havia colocado inicialmente na parede logo atrás da cabeça da leiteira. Também pintou um grande braseiro no canto inferior direito, substituindo-o por azulejos azuis de Delft e um pequeno aquecedor de pés com um pote de brasas.

Acima de tudo, a luz domina a sala, brincando e refletindo-se em todos os objetos. O pão e o cesto sobre a mesa são feitos de centenas de pontos de «luz». A atividade diária é simples e concentrada; apenas o fluxo de leite parece mover-se. Vermeer deixa-nos participar no seu mundo calmo.

1. Esta é uma imagem infravermelha tecnicamente processada da pintura inferior. Visível atrás da cabeça da leiteira está o suporte de jarros que Vermeer pintou mais tarde. Consequentemente, toda a atenção está agora focada na mulher e na sua atividade.
2. Um braseiro que incluía um pequeno fogão com brasas incandescentes, uma fonte de calor portátil. As fraldas podiam ser colocadas sobre uma tampa arredondada feita de ramos de salgueiro para secar.
3. Tendo em conta os muitos pedaços de pão na mesa, a mulher provavelmente estaria a fazer pudim de pão a partir de pão seco molhado em leite. Às vezes, o leite era suplementado com cerveja, que pode ser o que está no jarro azul alemão.

As cenas de Vermeer são tranquilas e abatidas, isoladas do mundo exterior. E, no entanto, esse mundo está presente. Vermeer deixa-o entrar abrindo janelas ou fazendo com que alguém olhe pela janela.

Ainda com o chapéu grande de pele de castor, um homem faz uma visita em Soldado e rapariga sorrindo (Officer and Laughing Girl). O mapa da Holanda e da Frísia Ocidental na parede também traz o mundo exterior para a sala fechada, bem como a janela aberta. Em Mulher com alaúde (Young Woman with a Lute), a mulher afina o instrumento enquanto olha pela janela – estará à espera de alguém? As cartas, por definição, trazem algo do mundo exterior para o interior. A cortina verde puxada para trás à esquerda em Senhora escrevendo uma carta com a sua criada (Woman Writing a Letter, with her Maid) oferece uma visão desobstruída da sala, enquanto a criada espera pacientemente e olha para lá da cortina branca. A intimidade do interior sereno torna-se palpável, mal o barulho da rua ameaça intrometer-se.

1. A intimidade desta cena deve-se ao tratamento virtuoso de Vermeer da perspetiva: o homem é visto de perto e é proporcionalmente muito maior do que a mulher. Vermeer pode ter estudado este efeito com a ajuda de um instrumento ótico, a «camera obscura». Tratavase de uma câmara escura ou caixa com um buraco, ou mais tarde uma lente, através da qual imagens de objetos fora de uma sala eram projetadas na parede oposta.
2. Tal como em A Leiteira, Vermeer executou partes da imagem com uma infinidade de pontos de tinta. À luz brilhante, uma câmara escura também mostra uma projeção com pontos de luz.
3. Este caixilho branco da janela é o elemento mais iluminado da pintura. E por uma boa razão, pois a luz do sol exterior é sempre mais intensa do que a luz interior. Com este branco, Vermeer sugere a luz do dia a entrar na sala.

Entre 1664 e 1667, Vermeer produziu um grupo modesto de pinturas de mulheres olhando para o espetador de perto. Olham diretamente para fora da pintura para o nosso mundo. Embora, sem dúvida, se baseiem em estudos de modelos vivos, não são retratos. Vermeer estava realmente a retratar tronies – cabeças de personagens vividamente pintadas e retratos de fantasia de figuras em trajes fictícios – que eram muito populares no seu tempo. Nessas obras, os pintores exploraram o rosto humano e as expressões faciais e os efeitos da luz e da sombra.

Virando a cabeça e olhando por cima do ombro, as mulheres envolvem-se connosco muito diretamente. Os trabalhos experimentais Rapariga com Flauta (Girl with a Flute)e Rapariga com Chapéu Vermelho (Girl with a Red Hat) são o prelúdio de Rapariga com Brinco de Pérola (Girl with a Pearl Earring), entre outros. Neles, Vermeer pugnou por uma simplicidade ainda maior. Toda a atenção está focada na jovem e no seu olhar. Outra forma de chegar ao perto é reduzir a distância do espectador em relação à mulher, como Vermeer faz em A Rendeira (The Lacemaker). Estamos tão perto dela que podemos até ver os pequenos fios nas suas mãos.

O quadro Rapariga com brinco de pérola estará em exibição no Mauritshuis, em Haia, a partir de 1 de abril de 2023.

1. Foi usada terra verde como uma camada fina e transparente nas sombras da pele. Vermeer foi o único artista dos Países Baixos no século XVII a usar esse pigmento desta forma.
2. Tal como em A Flautista (Girl with a Flute) adjacente, este trabalho foi pintado em painel. Ambos são provavelmente estudos, como o sugere a sua execução esboçada e experimental.
3. Em contraste com a maioria das restantes pinturas de Vermeer, a luz em Rapariga com flauta, A rendeira e Rapariga com chapéu vermelho entra pela direita.

Tal como as mulheres da Galeria 7, estas senhoras olham diretamente para nós, como se fossem interrompidas na produção musical. Na verdade, a música é predominante não só nestes, mas em muitos dos quadros de Vermeer. As mulheres tocam guitarra, cravo ou virginal (um instrumento de teclas). E em várias pinturas, uma viola da gamba (uma espécie de contrabaixo) é representada no chão, como aqui em Menina tocando Virginal (Young Woman Seated at a Virginal).

Visível no fundo de a Menina tocando Virginal está um quadro real de Dirck van Baburen. Representa uma prostituta dedilhando um alaúde enquanto sorri para um homem, que por sua vez lhe dá uma moeda. O quadro em imagem de fundo adiciona uma camada de significado à pintura de Vermeer. O mesmo se aplica a Senhora de pé tocando virginal (Young Woman Standing at a Virginal), que inclui o quadro dentro de um quadro do deus do amor, Cupido, como vimos em Rapariga lendo uma carta à janela (Galeria 4).

1. Os instrumentos de teclas em Menina tocando Virginal e Senhora de pé tocando virginal parecem ser idênticos, mas as paisagens pintadas nas tampas diferem. No caso de Senhora de pé tocando virginal, a paisagem na tampa é igual à da parede.
2. Durante a sua carreira, Vermeer estilizou ainda mais a representação dos tecidos e das texturas. Na manga branca, aplicou apenas pinceladas e pontos de tinta perto uns dos outros para alcançar o efeito de tecidos caros.
3. A mulher a tocar música e que olha para nós contrasta com a cena da pintura na parede atrás dela, na qual o preço dos serviços da prostituta está a ser negociado. A música e o amor (venal) estão inequivocamente ligados.

Para além de pinturas com uma única figura vista de perto, Vermeer encontrou uma nova fórmula com duas ou três figuras em cenas interiores maiores. Em A carta de amor (Love Letter), por exemplo, posiciona as duas mulheres afastadas de nós e assim, tal como o autor, também nós as espiamos de um corredor escuro. A composição hermética de Vermeer faz de nós espetadores furtivos.

A dona da casa parou de tocar a sua cítara (um pequeno alaúde) enquanto a criada lhe entrega a missiva. Será uma carta de amor? A paisagem do mar na parede parece sugerir isso mesmo. Afinal o amor é comparado ao mar e os amantes a um navio - tempestuosos ou calmos, ameaçados ou seguros.

As cartas são, não raro, tema da obra de Vermeer: as três primeiras pinturas retratam uma única figura lendo ou escrevendo e as três posteriores incluem uma criada. Vermeer sempre retratou mulheres abastadas a manter contacto com o mundo por meio de missivas. Para os apaixonados, as cartas eram o meio ideal para cortejar. Havia até mesmo livros e manuais contemporâneos para escrever cartas dando uma série de exemplos para orientar os possíveis amantes. Ainda na sua elegante camisa de dormir, a senhora de Mulher de azul lendo uma carta (Woman in Blue Reading a Letter) evoca o seu pretendente ausente lendo docemente a carta em voz alta.

As criadas domésticas podiam entregar cartas dentro da cidade – o que definitivamente não era feito por nenhuma senhora que se preze – sem levantar suspeitas. Em A senhora e a criada (Mistress and Maid) uma senhora à escrivaninha é surpreendida por uma carta trazida pela sua criada. O mundo exterior entra pelas janelas e portas, tal como nos restantes quadros. No intimamente relacionado Senhora escrevendo uma carta (Lady Writing), é o olhar distante da mulher que, para além da carta, liga o interior com o exterior.

1. Vermeer pintou esta mulher três vezes como a portadora da carta. Os nomes dos seus modelos não são conhecidos.
2. Vermeer retratou uma senhora muito elegante com uma jaqueta aparentemente enfeitada com arminho. No entanto, nem mesmo os burgueses ricos usavam arminho: talvez fosse pele de coelho com um padrão de pontos. E o brinco de pérola, também, poderá não ser verdadeiro. É tão grande e, portanto, tão raro e precioso, que provavelmente foi feito de um material barato como o vidro, ou talvez seja um exemplo de liberdade artística por parte do pintor.
3. O cofre sobre a mesa, no qual poderiam ser guardadas joias, cartas ou outros valores, pode muito bem vir de Goa (região da Índia). Tal como o mapa em Mulher de azul lendo uma carta (Woman Reading a Letter), o cofre é uma lembrança do exterior.

Estes quadros pintados por volta de 1660 evidenciam muitas semelhanças. As mulheres elegantemente vestidas estão a tocar música ou fizeram uma breve pausa para sorver um gole de vinho. Os homens parecem acabados de chegar do exterior com os seus elegantes mantos ainda pousados sobre os ombros. Emanam charme, ao qual as jovens não parecem insensíveis. Um deles vira-se para o espetador, fazendo-nos testemunhar a situação. Vemos livros de música e uma cítara, já que o amor era frequentemente associado ao cantar e tocar música em conjunto. Todavia, o que se passa aqui não é claro. Muito é deixado à nossa imaginação.

As linhas de perspetiva da mesa e das cadeiras e as janelas na parede esquerda criam uma ilusão espacial convincente. Vermeer colocou as figuras em primeiro plano, permitindo-nos abordá-las de perto, dando origem a uma maior sensação de intimidade entre o espetador e a cena retratada.

1. O homem está a envergar um manto feito de trijp: um tecido caro e aveludado feito de lã de cabra angorá. As dobras semicirculares do manto sugerem que ele está de pé com a mão esquerda dobrada ao lado do corpo, uma pose que irradia autoconfiança. Podemos encontrar o mesmo manto em Lição de música interrompida (Girl Interrupted at her Music).
2. A mulher no vitral segura nas mãos as tiras onduladas de um brasão. O brasão ornamentado da família sugere um decoro ancestral desafinado com a cena amorosa.
3. O homem segura o jarro branco de vinho, que é o coração da cena. O seu punho branco envolve-se sutilmente no jarro.

Esta é uma das poucas obras de Vermeer em que um homem ocupa um lugar de destaque. Juntamente com alguns livros, um globo terrestre repousa sobre o armário atrás dele. O geógrafo estuda os mapas dispostos na mesa, segurando um compasso na mão. O seu olhar, todavia, vagueia à distância.

Desobstruída por quaisquer instrumentos científicos, a luz incide diretamente sobre os papéis do geógrafo e sua testa, enfatizando assim a apreensão intelectual do mundo pelo cientista. O mundo exterior entra assim na reclusão do seu gabinete.

O pingente desta pintura, O Astrónomo (The Astronomer) (Louvre, Paris), apresenta um cientista a estudar um globo celeste.

Vermeer pintou um pequeno grupo de obras por volta de 1662-1664 retratando uma mulher de pé junto a uma mesa e uma variedade de objetos. As mulheres são capturadas absortas num momento silencioso de contemplação. Por exemplo, em Mulher com colar de pérolas (Woman with a Pearl Necklace) encontramos uma mulher a fazer a sua toalete. Na época de Vermeer, isso era visto de forma negativa porque era «mundano», ou seja, vão e centrado nas aparências.

O mesmo se aplica a Mulher segurando uma balança (Woman Holding a Balance) no qual uma senhora se encontra de pé junto a uma mesa com joias. Segura na mão uma balança para apurar o seu valor monetário. Pendurado atrás dela está um quadro do «Juízo Final» da Bíblia, deixando claro que um dia ela também será «pesada», ou seja, julgada.

Vermeer estava familiarizado com a literatura devocional católica por meio dos seus vizinhos jesuítas. Em Alegoria da Fé Católica (Allegory of the Catholic Faith), Vermeer apresenta uma variedade de símbolos nos quais o espetador se pode concentrar conscientemente. O crente é assim levado pelo caminho dos valores interiores.

1. Vermeer usou um manual para determinar os símbolos da sua alegoria. A figura principal, a «Fé», supera tudo o que é mundano, vão e transitório ao pousar o pé sobre um globo terrestre.
2. A figura da «Fé» olha intensamente para esta esfera de vidro refletora, que - tal como a fé pode conter mais do que realmente pode incluir. Para isso, Vermeer usou uma ideia derivada da teologia católica, com a qual pode ter-se familiarizado por meio dos seus vizinhos jesuítas.
3. Pendurados na casa onde Vermeer morava estavam dois quadros da «Crucificação de Cristo». Talvez uma destas duas obras possa ser vista aqui na parede de fundo. É um assunto característico da fé católica.

1632

Johannes Vermeer nasce em Delft, o segundo filho de Reynier Jansz e Digna Baltens. É batizado na Igreja Reformada Holandesa Nieuwe Kerk (Nova Igreja). O seu pai era estalajadeiro, artesão de seda e marchand de arte.

1641

A família mora no Mechelen Inn no Mercado em Delft. Johannes provavelmente frequenta uma pequena academia em Voldersgracht onde aprende os rudimentos do desenho e da geometria.

1653

Vermeer casa-se com Catharina Bolnes na igreja católica de Schipluiden, uma aldeia perto de Delft. Os conhecidos chamam-nos Trijntje e Jan. Tal como o seu pai, que morreu em.

1652

Vermeer trabalha como marchand de arte. Entra para a Guilda de São Lucas, uma organização profissional de pintores. A partir de então, torna-se pintor independente.

1653-1655

Pinta quadros com temas bíblicos e mitológicos.

1656

Pinta e assina A Alcoviteira (The Procuress).

1657-1659

Pinta Rapariga Lendo uma Carta à Janela (Girl Reading a Letter at an Open Window). Pede dinheiro emprestado aos amantes de arte de Delft, Pieter Claesz van Ruijven e Maria de Knuijt, os seus principais patronos.

1653-1660

A família Vermeer instala-se numa casa arrendada em Oude Langendijk. A sua sogra Maria Thins mais tarde também vive nessa morada. Os seus vizinhos são padres jesuítas. Vermeer posteriormente retrata pinturas na posse de Thins nas suas próprias obras. Onze dos catorze ou quinze filhos do casal sobrevivem à infância.

1658-1661

Pinta A Leiteira (The Milkmaid), Copo de Vinho (The Glass of Wine) e Vista de Delft (View of Delft).

1662

É eleito chefe da Guilda de São Lucas para um mandato de dois anos.

1662-1667

Período produtivo, durante o qual Vermeer pinta Mulher com Colar de Pérolas (Woman with a Pearl Necklace), Mulher de Azul Lendo uma Carta (Letter Reading Woman in Blue), A Rendeira (The Lacemaker), Mulher Segurando uma Balança (Woman Holding a Balance) e Rapariga com Brinco de Pérola (Girl with a Pearl Earring). Vermeer é um aclamado pintor importante.

1668-1670

Morte da mãe. Vermeer é agora proprietário do Mechelen Inn e é reeleito chefe da Guilda de São Lucas. Pinta O Geógrafo (The Geographer) e A Carta de Amor (The Love Letter).

1672

O Ano Desastroso na República Holandesa. Devido à deterioração da economia, Vermeer poucas obras vende.

1674

Membro da guarda cívica como piqueiro.

1670-1674

Pinta a Alegoria da Fé Católica (Allegory of the Catholic Faith), Senhora de Pé Tocando Virginal (Young Woman Standing at a Virginal), Menina Tocando Virginal (Woman Seated at a Virginal) e Senhora Escrevendo uma Carta com a Sua Criada (Woman Writing a Letter, with her Maid).

1675

Johannes Vermeer morre aos 43 anos na segunda semana de dezembro de doença desconhecida que durou um dia e meio. A sua esposa Catharina e os seus onze filhos ficam sem um único tostão e com uma dívida grande. Pagou uma quantia superior a 600 florins na padaria dando como garantia A Guitarrista (The Guitar Player) e Senhora Escrevendo uma Carta com a Sua Criada (Woman Writing a Letter, with her Maid).